Error-horror

Esta exposición explora el juego de significados que emerge de una sola palabra deformada: error y horror. Se trata de una fusión visual y conceptual que aborda un territorio donde la máquina y la imaginación colapsan, y donde el malentendido entre la voluntad humana y el algoritmo abre espacios para la creación radical.

La muestra recoge los resultados de más de tres años de investigación y experimentación con modelos defectuosos y herramientas de inteligencia artificial en estado rudimentario. A partir de este proceso, la exposición propone una inmersión visual y sensorial a través de un paisaje mutante compuesto por imágenes, vídeos y texturas digitales que documentan la evolución de la máquina. El proyecto incluye una pieza de generación de vídeo en tiempo real donde el visitante se verá reflejado como una criatura digital imperfecta, convirtiendo los glitches y censuras en un material artístico que abre la puerta a una confrontación estética y simbólica con el propio reflejo. ERROR-HORROR plantea que el error no es fracaso, sino una fisura por donde la máquina nos devuelve una verdad deformada sobre nosotros mismos.

Sobre el artista:

Franc Aleu (Barcelona, 1966) es un creador visual reconocido por la integración de escenografías de luz y videoproyecciones en espectáculos de ópera, danza y teatro a nivel internacional. Fue galardonado con el Premio Nacional de Cultura en el año 2012 por su aportación audiovisual y ha colaborado estrechamente con compañías como La Fura dels Baus y directores en escenarios como el Liceu, la Scala de Milán o el Teatro Real de Madrid. Con una mirada visionaria y multidisciplinar, actualmente explora las amplias posibilidades creativas de la inteligencia artificial y de los nuevos lenguajes escénicos inmersivos.

Reconfiguraciones. Imágenes en tránsito

Sobre la curaduría:

Comisariada por Anna Surroca Gibert, esta exposición reúne los trabajos de tres artistas que exploran la potencia política, afectiva y material de la imagen a través de distintos lenguajes y metodologías. La exposición propone un recorrido por formas de mirar que no se conforman con reproducir el mundo, sino que lo reconfiguran. En este espacio, la imagen deja de ser una superficie y se convierte en materia manipulable; un territorio donde se puede intervenir, tejer, girar o reescribir. Los proyectos seleccionados por Surroca Gibert comparten la preocupación de cómo las fotografías e imágenes de archivo configuran nuestra relación con la memoria, el territorio y el cuerpo, reactivándolas para generar formas activas de lectura y resistencia.

Obras y artistas participantes

Yo también quise ser Robert Capa, pero no hacer sus fotos (2021-actualidad)

La obra se materializa en un entramado de fotografías tejidas en lana que exploran el tejido visual que nos atraviesa y se incrusta en nuestro imaginario colectivo. El trabajo se desarrolla como una investigación autoetnográfica que nació de una conversación interna de la autora para confrontar sus contradicciones respecto al medio fotográfico, llevándola a traducir la imagen al formato textil en búsqueda de un espacio personal de libertad.

Sobre la artista:

Laura Aranda Lavado ( www.arandalaura.com) (Granollers, 1994). Es artista visual y antropóloga graduada de la Universitat de Barcelona. Su práctica artística se desarrolla entre la investigación y la creación, reflexionando sobre la memoria, la representación y la cultura visual a través de la experimentación con procesos fotográficos analógicos y alternativos. Su obra ha sido expuesta en el KBr Fundació MAPFRE de Barcelona y en festivales como Panoràmic, Art Photo BCN y FineArt Igualada. Es fundadora del Colectivo Vigilia y ejerce una constante labor docente universitaria.

Accions àcrates (2018-2024)

Proyecto de fotografía e intervenciones en el espacio público que explora la fricción entre la imagen y el poder. Documenta una serie de acciones realizadas en las fachadas de edificios del área de Lleida vinculados históricamente al ejército o la policía. En la puerta de cada edificio, se colgó un cartel con la palabra “autoridad” del revés, obligando al espectador a girar la fotografía para leerla y ejecutando así una acción iconoclasta que ubica al edificio en una posición de negación o castigo.

Sobre el artista:

Joan Pallé ( www.joanpalle.com) (Lleida, 1989). Artista visual, investigador y director artístico. Es doctorando en la Universitat de Barcelona y cuenta con un Máster en Bellas Artes por el FHNW Institut Kunst de Basilea, Suiza. Su prolífica obra reflexiona sobre las estructuras institucionales y urbanas, y ha sido exhibida internacionalmente en espacios de prestigio como el Centre d’Art La Panera, ADN Galería, Fondation Beyeler y Kunsthaus Baselland.

Sobre el descans (2025)

Este proyecto fotográfico y de archivo propone repensar la dicotomía campo-ciudad para responder al contexto de agotamiento personal y social que nos rodea. A partir de una investigación profunda en el Archivo de Etnografía y Folklore de Catalunya, la obra reutiliza e interviene fotografías tomadas a principios del siglo XX por Tomas Carreras i Artau en campos de cereales. Las imágenes destacan las garberas (estructuras tradicionales de haces de paja), las cuales evocan ideas de reposo, esfuerzo colectivo, cuidado del entorno y formas de vida basadas en la resistencia frente a la modernidad acelerada.

Sobre la artista:

Natalia Lazaro Prevost ( acidamentestudio.com/investigación) Es una investigadora visual cuyos proyectos artísticos se vinculan al movimiento y a la relación de los objetos con el espacio que ocupan. Graduada en Periodismo en Barcelona y Santiago de Chile, se especializó en fotografía artística en la Universidad de las Artes de Londres. Su trabajo se centra en recuperar contextos sociales y patrimoniales del pasado para reflexionar sobre el papel de la mujer y el medio ambiente en la actualidad. Sus proyectos han sido presentados y publicados por entidades como el MACBA, La Panera, la Fundación Joan Brossa y The Guardian.